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La ciencia ficción en el cine como representación de la manipulación mediática en la sociedad. Análisis semiótico de la saga cinematográfica


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2001: A space odyssey es considerada la película más importante de la tradición fílmica norteamericana de ciencia ficción (Telotte, 102). Para su realización, el director Stanley Kubrick, quien ya era renombrado en la industria, se alió con el escritor Arthur Clarke y el asesor científico de la NASA Frederick Ordway19. En esta película se relata la evolución del conocimiento en el ser humano, desde lo primitivo hasta el desarrollo tecnológico para llegar al espacio. Su importancia recae en los aspectos científicos planteados de manera casi perfecta en la visualización del espacio y la movilidad dentro de la nave espacial, así como en la propuesta audiovisual que se aborda, la cual genera en el espectador una sensación de abstracción de su realidad, para adentrarse en la mostrada en el filme.
Por otro lado, en la Unión Soviética, el cineasta Andréi Tarkovski realizó su propio filme de ciencia ficción, con una temática similar a su contraparte hollywoodense. En Solaris (1972), Tarkovski no hizo un despliegue de grandes efectos especiales, a diferencia de la película de Kubrick, pues se concentra en la psicología del ser humano en el espacio, como un entorno extraño que devela la soledad del individuo. También durante ese mismo año, se produjo la película Taming of the fire (1972) de Daniil Khrabrovitsky, sobre el ingeniero de cohetes ruso Serguéi Koroliov y los logros de los soviéticos en la carrera espacial. En ambos bloques, estas cintas fueron de vital importancia para mantener la atención de la gente en los programas espaciales que se estaban desarrollando en aquella época, pero también fueron el antecedente para la película que revolucionó el mito de la ciencia ficción en el cine: la ya citada ópera espacial Star Wars.
En 1977, el director George Lucas generó conmoción en la industria cinematográfica con su obra maestra Star Wars, en donde se cuenta la historia de un héroe elegido para combatir el mal. La saga se conformó de tres películas: Star Wars: A new hope (1977), Star Wars: The empire strikes back (1980) y Star Wars: Return of the Jedi (1983). A diferencia de sus predecesoras, en esta trilogía se retoma la idea romántica de la ópera espacial, con el planteamiento de un universo alterno con sus propias reglas, por lo que el conflicto no gira en torno al choque entre lo humano y lo extraño, sino que se encarga de narrar el mito heróico de una forma renovada.
El proyecto de Lucas se convirtió rápidamente en una franquicia que vendía toda clase de productos referentes al universo de esta saga, además de que logró crear una comunidad de millones de fanáticos alrededor del mundo. Por lo tanto, a partir del éxito de Star Wars, la industria cinematográfica vio con nuevos ojos a la ciencia ficción, que se posicionó como uno de los géneros de mayor contribución cultural. (Telotte, 10)
Por esta razón, en la época de finales de los 70 y principios de los 80, se realizaron películas de ciencia ficción que marcaron la pauta para la nueva generación. Uno de los grandes clásicos de este género fue la cinta de Ridley Scott, Blade Runner (1982); una historia cyberpunk con elementos de cine negro, que aborda el tópico de la vida artificial y los androides. Esta película fue fuente de inspiración para años venideros, pues las cintas sobre cyborgs se volvieron muy populares alrededor del mundo, con franquicias como Terminator (1984/ 1991/ 2003/ 2009/ 2015) de James Cameron y RoboCop (1987) de Paul Verhoeven, el anime japonés Ghost in the Shell (1995) de Mamoru Oshii, así como los filmes A.I. Artificial Intelligence (2001) y Minority Report (2002), ambos del director Steven Spielberg.
Otro filme clave dentro del género, también dirigido por Ridley Scott, fue Alien (1979); un terrorífico encuentro extraterrestre con un personaje femenino como protagonista. Posteriormente, se realizaron secuelas a cargo de directores como James Cameron (Aliens–1986), David Fincher (Alien 3– 1992) y Jean-Pierre Jeunet (Alien: Resurrection–1987). En el otro extremo, Steven Spielberg dio vida a un entrañable alienígena en la cinta E.T. the Extra-Terrestrial (1982), en la que narra la amistad entre un niño y un ser extraño, donde se demuestra que es posible crear lazos entre lo cotidiano y lo otro. De igual modo, con esta visión menos oscura sobre la ciencia ficción, en esos años se realizó la saga Back to the future (1985/ 1989/ 1990) de Robert Zemeckis, donde se retoma la temática del viaje en el tiempo y el estereotipo del científico excéntrico, el cual se implementó dentro del género desde la novela Frankenstein (1818) de Mary Shelley.
En estos años, se retomaron clásicos literarios del género para realizar adaptaciones cinematográficas, como en la cinta 1984 (1984), dirigida por Michael Radford y basada en el libro homónimo de George Orwell; además, los directores fueron más allá de las expectativas en la estética y argumentos. Tal es el caso de la saga de Mad Max (1979/ 1981/ 1985/ 2015) de George Miller, así como las películas distópicas Videodrome (1983) de David Cronenberg y Brazil (1985) de Terry Gilliam. Estas historias muestran un futuro desolador en ambientes completamente polarizados: el universo de Mad Max es paraje post-apocalíptico en el desierto, donde la lucha por sobrevivir es lo principal. Por su parte, la cinta de Cronenberg se desarrolla en la ciudad de Toronto, de manera atemporal, donde se hacen experimentos con la mente de los espectadores, a través de los medios de comunicación. Mientras que la última se sitúa en una sociedad mecanizada que no permite los sentimientos ni la razón.
En lo que corresponde a la última década del siglo XX, la industria cinematográfica dio un nuevo giro; a raíz de la implementación de la tecnología por computadora y la creación del cine digital, el cual repercutió en la forma de producir películas de ciencia ficción y fantasía, principalmente. Cuando anteriormente los efectos especiales eran producto de un trabajo artesanal y mecánico en escenografía y maquillaje, con la incorporación del CGI (Computer-generated imagery) las grandes construcciones en set se convirtieron en pantallas verdes, donde todo lo que se pudiera imaginar era agregado en la post-producción de la cinta. Aunque las primeras muestras del trabajo en CGI se dieron en 1982, con la película Tron de Steven Lisberger, fue hasta 1991, con los filmes Jurassic Park de Steven Spielberg y Terminator 2: Judgment Day de James Cameron, que esta tecnología se convirtió en la base para la producción cinematográfica de la ciencia ficción.
En este momento, la industria había alcanzado la posmodernidad plasmada dentro de las películas de ciencia ficción, pues en lugar de intentar recrear de manera tangible un imaginario alterno, los sets se convirtieron en espacios de simulación, donde la totalidad de aquella otredad solamente podría ser concebida a través de la virtualidad; ejemplo de ello fueron la trilogía Matrix (1999/ 2003) de Larry y Andy Wachowski20 y la película Avatar (2009) de James Cameron, ya que en ambas la generación de software de animación y post-producción fue indispensable para que los novums sean lo más verosímiles sensorialmente.
Para el comienzo del siglo XXI, la producción de películas de ciencia ficción basadas en libros, cómics y videojuegos se intensificó gracias a la traducción intersemiótica21 de textos que comparten dicho género; tales como la adaptación cinematográfica de la novela Battle Royale de Koshun Takami, realizada en el año 2000, así como las cintas referentes al videojuego de zombies22 Resident Evil, a partir del 2002, y los filmes de súper-héroes23, como las sagas de X-Men y Spiderman. Aunado a esto, se retomaron franquicias que fueron exitosas en el pasado, como las antes mencionadas Star Wars y Terminator.
Por otro lado, con la democratización mediática y el apogeo del cine independiente, se creó una corriente denominada low sci-fi o indie sci-fi, en donde es posible generar películas de ciencia ficción sin la necesidad de presupuestos elevados, efectos especiales espectaculares o un numeroso equipo de trabajo. Al contrario de las producciones industrializadas, donde algunas veces el efecto supera a la historia, en el indie sci-fi el novum es un motivo para una reflexión más ontológica; el director Michel Gondry, con Eternal sunshine of the spotless mind24 (2004), y Duncan Jones, con el filme Moon (2009), son algunos de los expositores de este nuevo movimiento.
Sin embargo, cabe mencionar que no por el hecho de que las grandes productoras cinematográficas se concentren en hacer ciencia ficción enfocada en la acción, se ha perdido el sentido crítico característico del género, pues en lo que va del nuevo milenio, el subgénero distópico también se ha desarrollado tanto en la industria, como en el cine independiente; ejemplo de ello son las películas Children of men (2006) del director Alfonso Cuarón, la saga cinematográfica de The hunger games (2012/ 2013 /2014/ 2015) de Francis Lawrence y la película franco-israelí The Congress (2013) de Ari Folman. Con referencia a las distopías en el cine del siglo XXI, a pesar de que ya no existe una línea a seguir en cuanto a los argumentos, puesto que los planteamientos sobre el futuro son diferentes y dependen del contexto donde se produzca dicha película, en su discurso se conserva la representación de las confrontaciones ideológicas y su relación con la tecnología.
Por esta razón, al realizar la comparación del avance de la ciencia ficción en su desarrollo tipológico y fílmico, temas presentes en los dos primeros puntos del capítulo, es posible decir que el sentido crítico es la característica indispensable del subgénero distópico, y de la ciencia ficción en general, que la mantiene a la vanguardia dentro de la colectividad, porque más allá de ser una fuente de entretenimiento e, incluso, hasta de una muestra de hegemonía sobre la otredad, es también una fuente de conocimiento crítico sobre la realidad que se vive día a día.

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