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La ciencia ficción en el cine como representación de la manipulación mediática en la sociedad. Análisis semiótico de la saga cinematográfica


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1.2 La ciencia ficción en el cine

En el apartado anterior se habló de la evolución de la ciencia ficción como género, por lo cual, para fines de esta investigación, a partir de este punto se ahonda en su inclusión en el ámbito cinematográfico, para delimitar sus características. Con el propósito de entender cómo se desarrolló la ciencia ficción en el cine, es necesario conocer los orígenes del llamado séptimo arte.


A finales del siglo XIX, los hermanos Lumière inventaron en París el cinematógrafo, un artefacto capaz de reproducir una serie de fotogramas por segundo, para darle movimiento a la imagen; “… una máquina para rehacer la vida.” (Sadoul, 18) Durante los primeros años del invento, las películas eran grabaciones de la vida cotidiana o de puestas en escena sin elementos ajenos a la realidad.
Ya a inicios del siglo XX, George Méliès comenzó a experimentar trucos con el cinematógrafo para relatar historias extraordinarias; así pues, sus aportaciones contribuyeron a dar un giro al cine, que pasó de ser un simple registro de vida, a un espectáculo. En 1902 se estrenó su película más conocida, El viaje a la Luna, inspirada en las novelas de Jules Verne y H.G Wells. En esta cinta se observa cómo un grupo de astrónomos decide viajar a la Luna, construyen un cohete para lograrlo y, estando ahí, tienen un encuentro con seres extraterrestres.
En la mayoría de sus filmes, Méliès se caracterizó por utilizar un estudio con escenografía y maquetas, además de realizar cortes para dar la ilusión de apariciones repentinas y colorear los fotogramas. Debido a esto, Méliès es considerado el primer director de ciencia ficción al ser el pionero en implementar dichos trucajes, hoy conocidos como efectos especiales, los cuales “… son el componente más significativo de la ciencia ficción…” (Telotte, 24)
Para el teórico J.P. Telotte, las películas de ciencia ficción en particular logran reflejar el uso de la tecnología no solamente dentro de las historias mismas, sino en el interior de su producción; es decir, el novum deja de estar solamente en la imaginación del lector y se transforma en algo tangible a la vista y al oído, lo que crea un vínculo más estrecho entre este y lo real.
Aproximadamente 20 años después del éxito de Méliès, los soviéticos, quienes daban aportes al lenguaje cinematográfico, realizaron la película Aelita (1924), dirigida por Yákov Protazánov y basada en el libro de Alekséi Tolstói. La historia cuenta cómo el protagonista viaja al planeta Marte para apoyar la revolución de la reina Aelita. En esta cinta se presenta un régimen represivo cuya salida se encuentra en el comunismo, planteamiento por el cual se le calificó de propagandística.
Mientras tanto, en Europa surgió el expresionismo alemán, “… una propuesta de estética subversiva, opuesta al naturalismo imperante del cine estadounidense.” (Errenguerena, 25) Esta corrientre se caracterizó por retomar elementos teatrales, como el maquillaje, la iluminación y la escenografía, para dar un toque oscuro a sus historias. Dicha vanguardia es el antecedente directo del cine de terror, pero se relaciona con la ciencia ficción gracias a la película Metrópolis (1926) de Fritz Lang, donde se expuso la temática de la mecanización del individuo y la supremacía de la máquina en un universo futurista y distópico. Tres años después, Lang continuó explorando el género con el filme Woman in the moon (1929), en la cual se planteó una expedición a la luna en busca de oro y avivó las esperanzas de la humanidad de hacer posibles los viajes al espacio17.
En la década de los 30, la ya posicionada industria de Hollywood realizó su primer cinta de ciencia ficción, llamada Just Imagine (1930) y dirigida por David Butler. Asimismo, en Inglaterra, H.G. Wells escribió el guion de Things to come (1936), adaptación cinematográfica de su obra The shape of things to come (1933). En estas películas, situadas en un futuro tecnócrata, se plantea que a pesar de lo avanzada que esté dicha tecnología, las acciones humanas son las que guían el rumbo de los individuos. (Telotte, 86). Por otro lado, en Estados Unidos también se exploraba la combinación de los géneros de terror y ciencia ficción, con películas donde la avaricia del conocimiento conlleva a la creación de criaturas monstruosas; ejemplo de ello son títulos como Frankenstein (1931) de James Whale, Island of lost souls (1933) de Erle C. Kenton y The invisible ray (1936) de Lambert Hillyer.
Durante la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del periodo de post-guerra, la producción de películas de ciencia ficción quedó rezagada, tanto por la cuestión económica, como por la realización de películas con un enfoque más realista. Al comienzo de los años 50, en Hollywood se produjeron filmes sobre la invasión de seres alienígenas como The day the Earth stood still (1951) de Robert Wise y The war of the worlds (1953) de Byron Haskin, la cual es una adaptación de la novela de H.G. Wells. En ellas, el novum de los extraterrestres que amenazan la Tierra sirvió como representación de los conflictos que ocasionaron la Guerra Fría entre Estados Unidos y la URSS.
Asimismo, como consecuencia de los estragos de la bomba atómica, se desarrollaron películas de animales e insectos que sufrían mutaciones por la radiación y se convertían en monstruos que arrasaban ciudades; como una especie de venganza de la naturaleza en contra de la humanidad (Telotte, 98). Esta nueva temática surgió a partir de la película hollywoodense The beast from 20,000 fathoms (1953) de Eugène Lourié, pero sin duda, con la cinta Gojira (1954), dirigida por Ishiro Honda, el tópico de los kaiju18 se convirtió en el subgénero que marcaría gran parte de los años 50 y 60.
En la década de los 60, la ciencia ficción fue abordada por directores emblemáticos de la nueva ola francesa, tales como Jean Luc-Godard y Francois Truffaut. Aunque en los preceptos de esta corriente se destaca la ruptura de la fórmula de géneros, la ciencia ficción se vislumbró desde la perspectiva del cine de autor, donde cada realizador utilizó de pretexto las historias distópicas para construir su propuesta. En 1966, Truffaut se concentró en hacer una adaptación cinematográfica de la novela Fahrenheit 451, de Ray Bradbury. Mientras que Godard, en su película Alphaville (1967), creó una sátira social del control de la máquina sobre la humanidad.
En los años 60 y principios de los 70, justo cuando se desarrollaba la carrera espacial entre las dos potencias mundiales (Estados Unidos y la Unión Soviética), surgieron dos películas visionarias sobre la humanidad y los viajes al espacio: 2001: A space odyssey (1968) de Stanley Kubrick y Solaris (1972) de Andréi Tarkovski.

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